Sydney. Esperei minha vida inteira para ir a Sidney.
Cheguei no aeroporto, fui para o hotel, me hospedei
e sentado lá no saguão vi um folheto
do Festival de Sydney. Enquanto passava os olhos nele
eu vi um show chamado “Minto: Ao Vivo”.
A descrição lia: “As ruas no subúrbio de Minto
tornam-se o palco para shows
criados por artistas internacionais
em colaboração com os moradores de Minto.”
Que lugar era esse chamado Minto?
Sydney, como vim a saber depois, é uma cidade de subúrbios,
e Minto fica no sudoeste, cerca de uma hora de Sydney.
Confesso que não era exatamente isto que eu tinha em mente
no meu primeiro dia em “down under” (Austrália).
Eu tinha pensado em Harbour Bridge ou Bondi Beach,
mas Minto? O que fazer, eu sou um produtor,
e o atrativo de um projeto de teatro específico de um local
era impossível de resistir. (Risos)
Fui no meio do trânsito de sexta-feira à tarde,
e nunca vou esquecer o que vi quando cheguei lá.
Para o show, o público andava pela
vizinhança, de casa em casa,
e os moradores, que eram os artistas,
saíam de suas casas e faziam
umas danças autobiográficas em seus gramados,
na entrada das suas garagens. (Risos)
O show é em colaboração com a companhia teatral
da Grã-Bretanha chamada Lone Twin.
Lone Twin veio a Minto e trabalhou
com os moradores e eles criaram estas danças.
Tinha essa jovem australiana-indiana que saiu da casa dela e começou
a dançar no gramado do seu jardim,
e seu pai espiava da janela para ver
o que era aquele barulho e comoção toda,
e sem demora ele veio se juntar a ela.
Em seguida veio a irmã mais nova.
E logo logo todos dançavam esta dança
alegre e exuberante ali mesmo no gramado da casa deles. (Risos)
E enquanto eu circulava pela vizinhança,
fiquei pasmo e comovido com o incrível
senso de identidade que esta comunidade claramente sentia
sobre este evento.
“Minto: Ao Vivo” trouxe as pessoas de Sydney ao diálogo
com artistas internacionais e comemoraram realmente
a diversidade de Sydney a seu próprio modo.
O Festival de Sydney que produziu “Minto: Ao Vivo", acho eu,
representa um novo tipo de festival das artes do século 21.
Estes festivais são radicalmente abertos.
Eles podem transformar cidades e comunidades.
Para entendermos isso, acho que faz sentido
ver as suas origens.
Os festivais das artes modernas começaram
nos destroços da Segunda Guerra Mundial.
Líderes civis criaram esses eventos anuais
para celebrar cultura como a mais alta
expressão do espírito humano.
Em 1947, o Festival de Edinburgh
e o de Avignon nasceram e centenas de outros
seguiriam estes exemplos.
O trabalho que fizeram era arte bem formal,
e estrelas como Laurie Anderson e Merce Cunningham
participaram depois e também Robert Lepage,
que colaborou nesse circuito,
e tínhamos esses shows seminais como “O Mahabharata”
e o monumental “Einstein na Praia”.
Mas ao passar das décadas,
estes festivais na realidade se tornaram parte do sistema,
e enquanto a cultura e capital aceleravam,
a Internet nos uniu,
formal e popular mais ou menos desapareceram,
e um novo tipo de festival emergiu.
Os festivais antigos continuaram a prosperar, mas
de Brighton ao Rio e a Perth, algo novo surgia,
e estes festivais eram realmente diferentes.
Eles são abertos, porque, como em Minto,
eles percebem que o diálogo
entre o local e o global é essencial.
Eles são abertos porque pedem as pessoas do público que sejam um ator,
um protagonista, um sócio, em vez de um espectador passivo,
e são abertos porque sabem que a imaginação
não pode ser contida em prédios,
e muito do trabalho que eles fazem
é em lugares específicos ou ao ar livre.
O festival novo pede ao público para desempenhar
um papel essencial em dar forma às apresentações.
Companhias como De La Guarda, que eu produzi, e Punchdrunk
criaram essas experiências totalmente imersivas
que colocam o público no centro do ato,
mas a companhia de performance alemã Rimini Protokoll
leva isto tudo a um nível totalmente novo.
Em uma série de shows que inclui “100 Por Cento Vancouver”,
“100 Por Cento Berlim”, Rimini Protokoll faz shows
que verdadeiramente refletem a sociedade.
Rimini Protokoll escolhe 100 pessoas para representar a cidade
naquele momento em termos de raça, gênero e classe,
através de um processo rigoroso que começa três meses antes,
e então aquelas 100 pessoas compartilham histórias sobre
elas e suas vidas, e tudo aquilo
se torna uma captura instantânea da cidade naquele momento.
LIFT (Festival de Teatro Internacional de Londres) sempre foi um pioneiro no uso dos locais.
Eles sabem que teatro e performance
podem acontecer em qualquer lugar.
Você pode fazer um show em uma sala de aula,
no aeroporto – (Risos) –
na vitrine de uma loja de departamentos.
Artistas são exploradores. Quem melhor para nos mostrar a cidade de novo?
Artistas podem nos levar a uma parte mais remota da cidade
que ainda não exploramos, ou podem nos levar àquele
prédio que passamos em frente todos os dias mas que nunca entramos.
Um artista, penso eu, pode realmente nos mostrar as pessoas
que talvez tenhamos deixado passar em nossas vidas.
Back to Back é uma companhia australiana de pessoas
com deficiência mental. Eu vi o show maravilhoso deles
no Terminal da Balsa de Staten Island em Nova York
na hora do rush.
Eles distribuíram fones de ouvido a nós, o público, e nos sentamos
em um lado do terminal.
Os atores estavam bem na nossa frente,
ali mesmo entre as pessoas viajando para o trabalho
e nós podíamos ouvi-los,
mas poderíamos não os ter percebido.
Então Back to Back pega posições específicas de teatro e as usa
para nos alertar delicadamente sobre quem e o quê escolhemos
editar de nossas vidas quotidianas.
Por isso, o diálogo entre o local e o global,
o público como participante, ator e protagonista,
o uso inovador de locais, tudo isso
entra no jogo do trabalho extraordinário
da fantástica companhia francesa Royal de Luxe.
Marionetes gigantes da Royal de Luxe vão para uma cidade
onde ficam morando por uns dias.
A Royal de Luxe trouxe “O Elefante do Sultão”,
ao centro de Londres que ficou paralisado
com a sua história da menininha gigante e seu amigo,
um elefante que viaja através do tempo.
Por alguns dias eles transformaram a monumental cidade
em uma comunidade onde reinavam possibilidades infinitas.
The Guardian escreveu: “Se arte é sobre a transformação,
então não existe nenhuma experiência mais transformadora.
O que “O Elefante do Sultão” representa é não menos
do que uma ocupação artística da cidade
e uma reivindicação das ruas para o povo.”
Nós podemos falar sobre o impacto econômico destes festivais
em cada cidade, mas estou interessado em muitas coisas mais,
por exemplo como um festival ajuda uma cidade a se expressar,
como isto permite ela se tornar ela mesma.
Festivais promovem a diversidade,
eles favorecem o diálogo entre os vizinhos,
eles estimulam a criatividade,
eles oferecem oportunidades para o orgulho cívico,
eles melhoram nosso bem-estar psicológico em geral.
Resumindo, eles fazem das cidades um lugar melhor para se viver.
Caso em questão:
Quando “O Elefante do Sultão” veio a Londres,
apenas 9 meses depois do 7 de julho, um londrino escreveu:
“Pela primeira vez desde as explosões em Londres,
minha filha me telefonou com um ‘brilho’ de volta em sua voz.
Ela tinha se reunido com outras pessoas
para assistir “O Elefante do Sultão”, e, sabem,
isto simplesmente fez toda a diferença.”
Lyn Gardner do The Guardian escreveu
que um grande festival pode nos mostrar um mapa do mundo,
um mapa da cidade e um mapa de nós mesmos,
mas não existe um modelo fixo de festival.
Eu acho que o que é maravilhoso sobre festivais,
os novos festivais, é que eles estão capturando totalmente
a complexidade e o prazer
da maneira que todos nós vivemos hoje.
Muito obrigado. (Aplausos)